El Greco pintó por primera vez el tema en Venecia, algunos años antes, y lo retomó de nuevo, mucho más tarde, en España, acercándose muy de cerca a su diseño original. De este tema existen por tanto tres versiones; una en Venecia (1570), otra en Roma (1571-1576) y otra en Toledo (1610-1614) donde se observa su evolución. La primera incorpora el colorido cálido veneciano y las mujeres de Tintoretto. En la segunda, los grupos de figuras han adquirido jerarquía y la arquitectura más romana está más integrada gracias a la luz. En la última, las figuras son típicas grequianas, el cuadro es más estrecho y dividido en una zona inferior con figuras y una superior de arquitectura etérea. Al igual que con Cristo curando a un ciego, la inspiración de la composición en su conjunto sigue a Tintoretto. El grupo central principal, sin embargo, el diseño está muy cerca de Miguel Ángel, conocido por los diferentes dibujos del artista, y también en las pinturas de Venusti (National Gallery, Londres ). La figura de Cristo, símbolo de martirio y eternidad, preside la escena en medio de un complejo marco arquitectónico. Las figuras de la composición están perfectamente tratadas. La obra presenta una gran influencia de la escuela venenciana. La figura de la mujer que camina con un niño podría ser una reminiscencia de un motivo similar en cartón para tapiz que tenemos de Rafael, (la distribución de las limosnas en el Golden Gate). Los dos hombres de la conversación, que también aparecen en el cuadro de Cristo sanando a un ciego, se han convertido en un motivo fundamental, Las formas más grandes de la arquitectura también derivan de Rafael, y están en consonancia con la concepción grandiosa del grupo principal de la iconográfica La característica más importante de esta versión es la introducción, en la esquina inferior derecha de cuatro retratos de los artistas. Son, de izquierda a derecha, Tiziano, Miguel Ángel, Giulio Clovio y Rafael, (aunque también se ha sugerido que esta es el retrato del  mismo Greco, o incluso de Correggio). Su presencia puede ser interpretada como un homenaje directo a esos artistas de- quienes se sentía en deuda. El retrato de su amigo, Giulio Clovio, debía de ser un reconocimiento a la familia Farnese. El hombre joven que está señalándose a sí mismo, tiene características similares a la del autorretrato en el Cristo curando a un ciego pero con el pelo diferente. También se ha sugerido que podría representar a Rafael de joven. Los retratos de Tiziano y Miguel Ángel (muerto en 1564) se tomaron de los retratos existentes, y la de Giulio Clovio del retrato de El Greco de su amigo en el Museo de Nápoles, pintado  en 1571. El Greco no suele incluir retratos en sus pinturas de temas religiosos, pero en este caso no cumple con esta norma. Esta obra permite al pintor incorporarse al lenguaje pictórico del Renacimiento y dejar atrás sus raíces como pintor de iconos bizantinos. Este tema será uno de los preferidos por el arte de la Contrarreforma ya que se aprecia una prefiguración de la lucha entre la Iglesia católica y la herejía protestante. Algunos papas lo eligieron como reverso de medallas conmemorativas. La personalidad de Miguel Ángel inspiraba en Doménikos una doble opinión ya que le consideraba un excelente dibujante y escultor pero un deficiente colorista, criticando en numerosas ocasiones la obra del florentino, lo que le valió la enemistad de algunos artistas como Giorgio Vasari. Algunos especialistas opinan que su marcha de Roma fue motivada precisamente por las críticas al Juicio Final de la Capilla Sixtina. Con esta obra El Greco se incorpora al lenguaje del Renacimiento.