Está obra realizada al estilo del Renacimiento tardío, está dedicada a realizar la trama arquitectónica y la decoración pictórica de los retablos de la Capilla de San José en Toledo, originalmente fue colocado en el lado izquierdo del altar mayor. Las pinturas para el retablo mayor fueron los de San José y el Niño Jesús, y por encima, la Coronación de la Virgen, y , para los altares laterales , el San Martín y el mendigo y la Virgen y el Niño con Santos. Terminada en 1599. La obra original forma ahora parte de la Colección Widener. Hay una versión más pequeña casi idéntica en la Galería Nacional de Arte en Washington DC. La iglesia estaba dedicada al santo Patriarca. Tras el Concilio de Trento se resaltó la importancia del santo en la educación y protección del Niño Jesús por lo que José tendrá mucha más importancia en el arte que hasta entonces, siempre relegado a un segundo plano. San Martín aparece como patrono del fundador, Martín Ramírez, hombre que había destacado por sus buenas acciones. También se exalta la importancia de la caridad para la salvación del alma, según se había dispuesto en el Concilio. La escena se desarrolla en primer plano, excesivamente cercana al espectador. San Martín de Tours, un comandante militar romano. Es uno de los santos católicos  más admirado y conocido. Destacó por su valentía en la batalla. El Greco narra la historia de su encuentro de San Martín con un mendigo a las puertas de Amiens, Francia. Martin y sus soldados estaban en la puerta de la ciudad cuando se le acercó un mendigo con poca ropa. Martin partió  instintivamente su capa militar en medio y se la dio al mendigo. Esa noche tuvo un sueño en el que Jesús llevaba la media capa que había regalado. Inspirado por esta visión Martin pronto será bautizado a la edad de dieciocho años. San Martin está vestido con armadura damasquinada, con el cuello con volantes de fantasía típica de la sociedad toledana, vestido a la moda del siglo XVI, y montado en un elegante caballo blanco. El caballo está en una posición de cabriolas con su pata delantera derecha levantada. Sin embargo esto ha sucedido en el siglo IV. El artista se desplaza por el tiempo y el espacio colocando Toledo en el fondo, no la ciudad de Amiens, donde la historia tiene lugar realmente. Esta es, obviamente, la intención de exponer la importancia de la ciudad de Toledo, un lugar importante en la contrarreforma de la Iglesia del siglo XVI, destinada a contrarrestar los ataques protestantes. La ciudad de Toledo, la más piadosa ciudad de España en la época, fue también un centro cultural y económico floreciente en la época, por lo que era el lugar perfecto para trabajar. Esta pintura de El Greco parece alentar a los toledanos devotos a comportarse desinteresadamente como San. Martin en su vida ordinaria. Comparte su capa con el pobre que ha encontrado desnudo en el camino, figura que contemplamos a la izquierda de la composición. En la esquina inferior derecha, el fondo vuelve a aparecer el paisaje toledano, con el puente de Alcántara sobre el río Tajo y envuelto en tormentosas nubes. la ciudad de Toledo, sirve como conexión entre la tierra y el cielo, que une los dos y proporciona un contrapeso esencial. Recurre a situar los personajes sobre un pequeño espacio de terreno, dando sensación de cierto agobio. La figura del santo es armoniosa y proporcionada. No se puede decir lo mismo de su caballo, de enormes patas, ni del mendigo, de una altura sorprendente que le hace aún más delgado. El mendigo con su forma extraña, retorcida y alargada no parece un ser de este mundo. Es como si sólo se trata de las dos únicas figuras que existen en el mundo. El breve encuentro entre estos dos seres es físico, espiritual y psicológico, así como muy importante. El Greco muestra aquí la influencia de los estilos manieristas italianos de la época. Emplea, por lo tanto, dos tipos de canon estético: el tradicional y el personal, diferenciados por la proporción de las figuras. El Greco hace un alargamiento de las figuras no para subrayar su conexión con lo sobrenatural, sino que alude a su propia identidad. Otras obras de El Greco: como "El Entierro del Conde de Orgaz", o "El Expolio" están llenas de referencias a estos estados anímicos espirituales. La escena tiene un aire especial por el color empleado y por el lirismo con el que se cuenta la historia. Los azules, grises, verdes y blancos se adueñan del conjunto, destacando sobre marrones y negros. La luz refuerza estas tonalidades y resbala por las figuras, resultando de ello un interesante estudio lumínico. El uso de áspero contraste de color junto con la calidad de su línea nerviosa, da una expresión de gran intensidad emocional y la espiritualidad en todas sus obras. En esta obra la blancura resplandeciente de la capa del caballo y el oro que brilla tenuemente de la armadura de San Martin proporciona un marcado contraste con el cielo azul fresco, oscuro en el fondo. El artista emplea una truco interesante, quizás un poco irónico, en la composición al colocar elegantemente las patas traseras del animal cerca de los miembros inferiores del mendigo. Esta ironía puede ser el único punto de apoyo emocional en esta pintura, y no se encuentra accidentalmente en la parte inferior del lienzo, lo que implica una experiencia psíquica, que se manifiesta en los rostros de los personajes. El cielo azul se parece mucho a las aguas que amenazan con sumergir todo en una cascada que nos envuelve,  esto es lo que el caballo presiente con cierta urgencia ya que los animales están muy en sintonía con los cambios que se dan en la naturaleza. En cualquier caso, El Greco crea una  tonalidad presagiando una sensación de tensión, incluso el color blanco del caballo refuerza esta tensión emocional, logrando una atmósfera espiritual. En cierto modo, se trata de una comunicación muy personal de la fe del artista. La paleta arroja una abrumadora sensación de misterio e incertidumbre,  haciendo de esta obra una pieza fascinante en la historia del arte.